Hayden, Palmer 1890-1973

 » « Parenté spirituelle avec la Renaissance

Années de formation à Paris

Acclamations posthumes

Sources

Peintre

Palmer Hayden était l’un des peintres les plus controversés associés à la Renaissance de Harlem — la floraison de la culture noire américaine qui a commencé dans les années 1920.Influencé par un large éventail de styles, Palmer se référait fréquemment à la fois à l’Afro-américain et à l’américain le folklore, rendant parfois des figures noires qui, selon ses critiques, jouaient aux stéréotypes racistes. Pourtant, sa réputation dans la seconde moitié du XXe siècle suggère que, à certains égards, Hayden était peut-être en avance sur son temps. L’artiste « a présenté des gens ordinaires faisant un travail ordinaire avec une telle vitalité qu’il a transcendé toutes les frontières ethniques », a écrit la fondatrice du musée et historienne de l’art Samella Lewis dans un communiqué cité par le Los Angeles Times. Dans sa contribution à l’anthologie Harlem Renaissance: The Art of Black America, David Driskell a surnommé Hayden « l’un des premiers peintres à offrir une interprétation franche, quoique quelque peu controversée, de la vie noire. »

Il est né Peyton Cole Hedgeman à Wide Water, en Virginie, en 1890. Jeune homme, il voyage en Virginie-Occidentale et travaille sur le chemin de fer; ses travaux là-bas influencent évidemment son choix de sujet au fil des ans, en particulier sa célèbre série de peintures détaillant la légende du héros maniant le marteau John Henry. Au début de la Première Guerre mondiale, il s’engage dans l’Armée américaine, servant à West Point et aux Philippines. C’est parce que son commandant blanc ne pouvait pas prononcer son nom qu’il en vint à s’appeler Palmer Hayden, un surnom qu’il conserva pour le reste de sa vie.

Bien qu’il ait montré un certain talent pour la réalisation d’images dans son enfance, il a reçu sa première formation artistique formelle pendant son service militaire, s’inscrivant à un cours de dessin par correspondance.

Parenté  » spirituelle  » avec la Renaissance

Il s’installe à New York après la guerre. C’était en 1919, et la communauté noire de la ville était au milieu d’un mouvement culturel remarquable qui a vu de nouveaux développements dans la littérature, le théâtre, la musique et les arts visuels. Cette « Renaissance » aux multiples facettes était centrée sur la communauté en grande partie noire de Harlem, qui était un quartier blanc à la mode jusqu’à ce qu’une crise économique oblige les promoteurs à remplir rapidement les résidences de travailleurs noirs. « En tant que centre du Nouveau mouvement nègre qui a encouragé la migration comme un acte d’émancipation spirituelle », a écrit Alan G. Artner dans le Chicago Tribune, « Harlem s’est avéré un aimant pour les noirs de tout le pays. Ils se sont déplacés pour choisir des options d’auto-définition qui ne sont disponibles nulle part ailleurs. »L’auto-définition faisait tellement partie intégrante de la mission culturelle de la Renaissance de Harlem que beaucoup de ses dirigeants se sont tournés vers l’Afrique pour s’inspirer plutôt que vers l’avant-garde européenne.

Hayden « a vécu à New York pendant les années de formation de cette période charnière », a écrit Regenia A. Perry dans un essai accompagnant une exposition omnibus au National Museum of American Art. Même

En un coup d’œil

Né Peyton Cole Hedgeman, le 15 janvier 1890, Widewater, VIRGINIE; décédé le 18 février 1973, New York, NY; fils de John et Nancy Hedgeman; marié à Miriam. Éducation: A étudié l’art à Cooper Union, New York, NY, vers le début des années 1920, Colonie de Boothbay, Maine, 1925, et à l’École des Beaux-Arts, Paris, 1927.

A servi dans l’armée américaine, 1914-19; Peintre, 1919-1973. Déménagé à New York, NY, 1919, et a travaillé de petits boulots dans les années 1920; a travaillé à Paris, en Bretagne et en Normandie, 1927-32; est retourné à New York, 1933; a entrepris des projets artistiques pour les États-Unis. Département du Trésor et WPA, 1934-38; produit une série de peintures représentant la figure légendaire John Henry, 1944-54; commande de séries de peintures sur des soldats noirs américains par l’artiste créatif Public Service Program (CAPS) de New York, 1973; exposé en solo et en groupe aux États-Unis et en Europe.

Prix sélectionnés: Premier Prix William E. Harmon et médaille d’or des Beaux-Arts, 1926; bourse privée de 3 000 $ pour étudier à Paris, 1927; Prix Mme John D. Rockefeller, 1933; bourse CAPS, 1973.

ainsi, a-t-elle reconnu, son  » association  » avec le mouvement  » était plus spirituelle que stylistique. »Il a commencé des études d’art à la Cooper Union de New York, sous la tutelle de Victor Perard, et a travaillé de petits boulots dans la région de Greenwich Village. Ces emplois comprenaient des travaux de conciergerie, une autre occupation qui a influencé sa peinture ultérieure. Selon Lowery Stokes Sims d’American Visions, Hayden a également effectué un travail artistique rémunéré pour une troupe de cirque, « pour laquelle il a produit des publicités de spectacles dans un style « folk » direct et simplifié. »

Son affiliation à la Fondation Harmon, l’une des premières organisations à aider les artistes noirs américains avec de l’argent et des relations. En 1925, il a commencé à étudier sous la direction d’Asa G. Randall à la Boothbay Art Colony dans le Maine; là, il a produit des paysages marins et d’autres œuvres scéniques qui lui ont valu un certain intérêt. Le critique James Porter, qui méprisait les travaux ultérieurs de l’artiste, a affirmé dans son livre Modern Negro Art que « la mer et les voiliers sont le sujet de prédilection de Hayden. »L’année 1926 l’a vu recevoir le William E. Premier Prix Harmon et Médaille d’or aux Beaux-Arts lors d’une exposition d’art noir à la fondation Harmon; Hayden avait développé une amitié avec le directeur fondateur de la Fondation Harmon et a travaillé à la Fondation pendant plusieurs années. C’est la Goélette, une œuvre peinte dans le Maine, qui lui a valu ces lauriers.

Pourtant, le peintre avait déjà commencé à manifester un intérêt pour de nouveaux sujets. La même année où il reçoit le prix de la Fondation Harmon, il termine Fetiche et Fleurs. Driskell a noté que l’œuvre « met en évidence un masque de croc du Gabon et un tissu de raphia de Bakuba du Congo (aujourd’hui le Zaïre), qui ont été placés dans un cadre de nature morte traditionnelle. »Alors qu’au moins un des contemporains de Hayden saluait ce qui était perçu comme le style moderniste du peintre, Driskell a ajouté: « Hayden n’était pas un moderniste dans son approche stylistique. Au lieu de cela, il a rompu avec la tradition en représentant l’art africain dans ses peintures. »

Années de formation à Paris

En 1927, Hayden reçoit une bourse privée de 3 000 $ pour étudier à Paris. Travaillant en privé avec un professeur de l’École des Beaux-Arts, il explore plus avant les thèmes du  » folklore  » qui commencent à émerger après le Maine. L’année suivante voit une exposition personnelle de Hayden à la Galerie Bernheim-Jeune à Paris. Plusieurs expositions collectives ultérieures dans la ville ont présenté son travail, y compris l’exposition de la Légion américaine de 1931, qui a contribué à faire découvrir l’art américain « Nègre » à l’Europe. Malgré sa résidence en France, Hayden a tout de même réussi à participer à des spectacles annuels d’Harmonies.

Il est retourné aux États-Unis en 1932 et a travaillé régulièrement au cours des années suivantes pour les États-Unis. gouvernement, notamment pour le Projet artistique du Trésor américain et le projet artistique de la W.P.A. (Works Projects Administration). En 1933, Fetiche et Fleurs est exposée dans le cadre de l' »Exposition des Œuvres d’Artistes Nègres » à l’Harmon et remporte le Prix Mme John D. Rockefeller. De nombreuses autres expositions ont suivi, dont des one-man-shows au New Jersey State Museum et une autre installation à la Galerie Bernheim-Jeune.

C’est au cours de ces années productives que ses créations les plus controversées ont pris forme. « À la fin des années 1930, Hayden a développé un style « consciemment naïf », a écrit Regenia Perry, qui représentait divers aspects de la vie afro-américaine. »Comme le critique Artner du Chicago Tribune l’a noté, « Le travail mature de Hayden est représenté par des peintures à la caricature parfois scandaleuse », ajoutant qu’il « a subi de lourdes critiques pour ses vignettes de la vie quotidienne, et ces stéréotypes sont tels que, s’ils étaient faits par quelqu’un d’autre qu’un noir, ils n’auraient pas été tolérés. » Le tableau qui revient de Washington est un excellent exemple d’une telle représentation; il représente un dandy souriant serrant un cigare dans ses dents tandis qu’une silhouette agenouillée fait briller ses chaussures. Les lèvres des deux hommes sont peintes dans un style exagéré qui suggère le ménestrel.

Une telle critique a fini par faire des ravages sur le peintre, et il a révisé certaines de ses œuvres sous son influence. Un excellent exemple est Le Concierge qui peint, l’une des œuvres emblématiques de Hayden. Engagée pour la première fois sur toile en 1938, elle a été refaite quelques années plus tard comme un rendu noble d’un artiste ouvrier en béret qui s’affairait à dresser le portrait d’une mère et d’un enfant sereins. Sur le mur de son humble studio est accrochée une photo encadrée d’un chat. Une radiographie de cette version, cependant, a révélé quelque chose de tout à fait différent en dessous; Perry a décrit le tableau précédent du concierge: « Le concierge-artiste bien habillé et portant un béret était à l’origine peint comme un homme ridicule et chauve avec une tête en forme de haricot; le bébé était un bouffon souriant, et la mère était représentée comme une servante peu flatteuse. Ironiquement, le chat dans l’image encadrée a été peint sur un portrait d’Abraham Lincoln. »

Hayden a toujours décrit le tableau en termes ennoblissants, ayant noté — dans des remarques citées dans le Bulletin de recherche de la NMAA — que l’œuvre était inspirée par son amitié avec le peintre noir Cloyd Boy kin, qui gagnait sa vie comme concierge. « Je l’ai peint parce que personne n’appelait Boykin l’artiste », se souvient Hayden.  » Ils l’appelaient le concierge. »Pourtant, il était clair que les remarques de critiques comme James Porter avaient affecté sa décision de retravailler le tableau. Dans cette œuvre et des œuvres similaires, Porter a écrit: « Nous voyons un talent égaré. Non seulement les formes de ces œuvres sont confuses, mais l’application de l’humour est mal avisée et totalement insipide. Mary Schmidt Campbell affirma quelques années plus tard dans Harlem Renaissance que « l’interprétation délibérément effacée par le peintre de ses efforts en tant qu’artiste, son insistance à représenter les noirs avec les masques de ménestrels – c’est—à—dire en tant qu’interprètes pour un public blanc – et sa référence ingrate à la bienveillance de ses libérateurs, sont probablement une représentation honnête, sinon particulièrement ennoblissante, comme des sentiments très réels de Hayden à propos de ses efforts pour faire de l’art. Pourtant, certains critiques, tels que le journaliste Nathan Irvin Huggins, ont suggéré que Hayden « utilise des types de course pour obtenir le ton de la satire. »

Après 1940, Hayden se concentre de plus en plus sur l’expérience des Noirs américains, capturant à la fois les rassemblements ruraux dans le Sud et le milieu urbain de New York. Midsummer Night in Harlem a souvent été salué comme le meilleur exemple de cette phase de sa carrière, bien que Porter l’ait comparé à « l’un de ces panneaux d’affichage ridicules qui étaient autrefois plâtrés sur les bâtiments publics pour annoncer les ménestrels au visage noir. »David Pagel a discuté de la représentation de Hayden des « espaces publics » dans le Los Angeles Times. »Malgré le caractère festif de ces environs, s’aventura-t-il, Hayden les peignit généralement sous un ciel sinistre, avec la même grimace claustrophobe qu’il a apportée aux images d’une ligne de protection sociale, de voies ferrées et d’un champ de maïs stérile présidé par un vautour solitaire. »De l’avis de Pagel, »Le désir écrasant d’être sérieux — en tant qu’artiste et chroniqueur des expériences de son peuple — limite l’inventivité de Hayden, limitant l’espièglerie qui anime parfois son art. Cette sorte de contrôle sans fioritures, voire moral, affaiblit ses images tout en renforçant leur américanité. »

Hayden reprendrait un thème prototypiquement américain dans une série de peintures qu’il a commencée en 1944 et sur lesquelles il a travaillé pendant une décennie. Sa série John Henry; a repris la légende du travailleur noir qui rivalise avec une perceuse à vapeur et meurt, marteau à la main, après avoir émergé triomphant. Les 12 peintures de cette série ont été exposées constamment au cours des décennies suivantes et comptent parmi les œuvres les plus acclamées de Hayden. Son travail a été présenté dans un certain nombre d’expositions au cours des années 1960, alors que les mouvements pour les droits civiques et le Pouvoir noir augmentaient l’intérêt et la sensibilisation des artistes noirs. L’année 1967 voit son travail exposé au Whitney Museum of American Art, prêté par la collection permanente de la Smithsonian Institution.

Acclamation posthume

« De la fin des années 1960 jusqu’à sa mort en 1973 », écrit Perry, « Hayden a continué à peindre des sujets basés sur des thèmes afro-américains, mais d’une manière plus cosmopolite que ses œuvres antérieures. Il a également exploré des thèmes non américains, présentant une vue stylisée de l’Afrique dans des toiles telles que Le Nil bleu de 1964. »C’est peu de temps avant sa mort que le peintre a reçu une bourse du Creative Artist Public Service Program de New York pour peindre une série célébrant les soldats noirs américains. Il est décédé avant d’avoir pu créer ces œuvres.

Un certain nombre d’expositions posthumes ont été montées au cours des années suivantes, et l’intérêt pour le travail de Hayden a continué de s’épanouir dans les décennies qui ont suivi. Une exposition de 1988 au Museum of African American Art de Los Angeles présentait quelque 40 toiles de Hayden qui étaient auparavant en possession de sa veuve, Miriam. « La présentation de cette exposition est importante pour nous », a déclaré Joyce Henderson, directrice par intérim du musée, au Los Angeles Times, « non seulement parce que nous montrons notre propre collection, mais aussi parce que nous assumons la charge de faire connaître le travail et la réputation de Palmer dans tout le pays. Les pièces de notre collection sont probablement ses meilleures. »Le concierge de Hayden est apparu dans le cadre de l’exposition omnibus du National Museum of American Art « Free Within Ourselves », et en 1996, la galerie M. Hanks de Santa Monica, en Californie, a offert une rétrospective de sa carrière. Le critique du Los Angeles Times Pagel a commenté que les près de deux douzaines d’œuvres de cette dernière exposition présentent « une image américaine pittoresque, mélancolique et honnête. »Quel que soit le verdict final sur les pouvoirs de Hayden en tant qu’artiste, il était clair que son travail continuerait à susciter des discussions pendant un certain temps.

Sources

Livres

Miers, Charles, éditeur, Harlem Renaissance: Art of Black America, Harry N. Abrahams, Inc., 1987.

Porter, James, Art Nègre moderne, Arno Press / New York Times, 1969.

Périodiques

Visions américaines, avril 1994, pp. 22-26.

Chicago Tribune, 15 mai 1988.

Los Angeles Times, 10 avril 1988 (Calendrier) p. 97; 30 mai 1996, p. F10.Bulletin de recherche NMAA 1, 1992, p. 1.

Autres

Des informations supplémentaires ont été fournies par le site BookZen sur le World Wide Web et par Regenia A. L’essai de Perry « Free Within Ourselves: Artistes afro-américains dans la collection du Musée national d’Art américain », qui accompagnait l’exposition de 1992.

— Simon Glickman

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